阅读材料，完成小题。

材料一：

现代戏曲这个概念有两重可能的含义：一是作为一个中性的概念，仅仅用于显示当代戏曲与传统戏曲形态有别，这里“现代”只是指其与传统的差异；二是作为具有价值内涵的概念，认为传统戏曲在新的时代行将被淘汰且必然被淘汰，因此要追求“进步”，使之演变为现代戏曲。如果在前一种意义上使用现代戏曲这个概念，它只是一种命名策略；但是在多数相关的论述中，“现代”都包含了对变化的鼓励与对传统的批评与否定。

从艺术角度看，在现代戏曲这个口号的背后，始终隐含着一个魔障，那就是从社会达尔文主义转化而来的文化达尔文主义——将自然界生物进化的模式平移到艺术的发展变化中，认为艺术也必将不断“进步”，新的艺术必将战胜和取代旧的，而且新总比旧好。在这种思潮的支配下，戏曲曾经多次遭遇死亡威胁，许多致力于戏曲“现代化”的人声称，如果戏曲在题材选择和思想意识等方面不做根本的改造，戏曲就将终结其生命，因为新社会的观众审美趣味变化了，传统戏曲“必定”会被时代淘汰。现代戏曲的倡导者就像传统戏曲命运的预言者，他们不止拥有“观众审美趣味变化”这个想当然地虚构出来的唯一利器。对传统戏曲各式各样的“历史局限性”和“时代局限性”的描述，在此前提下对传统戏曲各种弊端的激烈批判，都成为戏曲需要“现代化”的理由。

对传统戏曲的批评，也产生了不少影响，戏曲的呈现方式发生了巨大变化。经过一个多世纪的演变，当代戏曲已经彻底完成了从以广场艺术为主辅以少量厅堂艺术的多形态，向剧场艺术这单一形态的变化。相对隔绝、封闭的和性能单一的剧场成为戏曲呈现的主要场所。这样的变化不仅发生在城市里，还在很大程度上影响了农村民营剧团在广场环境中的演出形态。戏曲的剧场艺术化包括戏曲演出功能的纯化，使之越来越变成可供艺术欣赏的精神创造，逐渐改变了戏曲被当成其他人类活动之附庸的现象。

戏曲的剧场化倾向还有另一个观察维度，就是戏曲舞台呈现的精致化。从创作到演出的每个环节都精心雕琢，力求完善，尽可能使之成为一个完美无瑕的有机体，这是当代戏曲作品包含着丰富内涵的新趋势。台湾地区戏曲学者曾永义提出过“精致歌仔戏”的口号，正是大陆当代戏曲演进趋势的隔空回响。传统戏曲固然在每个细部都不乏力求精致的努力，但是全面与始终如一的精致化诉求，却是近代以来戏曲转化为剧场艺术后的新取向。戏曲的演出氛围从自由松弛的表演和轻松散漫的欣赏转变为认真严肃的“纯艺术”，原有的民间性状是被刻意剔除了的。

在戏曲的当代演变中，最重要的变化还是对戏剧的整体性前所未有的强调。当代戏曲不仅在剧本的结构上注重戏剧的整一性，在舞台呈现上同样极大地提升了整一性；不仅编剧将一部戏看成一个有头有尾的整体，演员按整部戏的思维设计自己的舞台表达；在戏曲音乐领域亦是如此，全剧从每个唱段的唱腔到过门、幕间曲和情绪音乐等等，均经过认真设计，并有使之成为整体的强烈主观意识。

近代以来戏曲的演变，体现了编剧、演员、作曲（唱腔设计）和逐渐界入戏曲领域的导演等所有人的共同努力。从广场艺术和厅堂艺术向剧场艺术的转化是根本，整体化是最为全方位的演变结果，至于这些演变是否具有现代品格，实关乎我们对“现代”的定义和理解。

（摘编自傅谨《“现代戏曲”与戏曲的现代演变》）

材料二：

过去对戏曲艺术的当代发展走向的研究缺少对演剧体制历史考量和剧种特性的细致划界，因而导致当代戏曲发展呈现出濒危剧种现代化、地方小戏大戏化、戏曲艺术话剧化的弊端。传统戏曲、新编历史剧和现代戏“三并举”的戏改方针没有任何区分地在所有剧种中都加以推行，结果导致剧种特质的一律化、京剧化、话剧化。现在之所以要提出戏曲艺术未来发展的“还原生态、回归本体、政府扶持、民间主导”的多重走向问题，其出发点就是要反思百年来戏曲变革的历史经验和教训，首先对古代戏曲的审美特性重新加以确认，并从班社演剧体制上加以还原，对剧种历史的沿革、影响力、主要特征加以区分，从而真正确立不同剧种依据自身特性而自由选择发展的走向。这是重建戏曲生态的多样性的研究反思，是建立在充分尊重非物质文化遗产的地域性、不可取代性的基础上的。

（摘编自邹元江《“戏曲现代化”焦虑与当代戏曲发展的未来走向》）

【材料一】

①我们知道，小说叙事是以语言为载体并在时间之流中完成的。因此，我们对小说的接受只能是在时间之流中的阅读，而对小说的视觉观看或凝视绝无可能。因为，在本质上，以语言文字为载体的叙事所呈现的形象本身并非是一种视觉形象，并不能直接呈现于人的视觉，因此不能形成观看或凝视的行为。

②当我们阅读《红楼梦》这部文学作品时，要通过我们的眼睛，但这种行为并不能称为“看”或“凝视”，只是阅读行为。因为，凝视的对象应是视觉呈现物， 如图像、影像等。虽然小说也会塑造形象，但这“形象”并不是直接诉诸于视觉， 而是诉诸心灵或意识。而当小说以图像的形式亦即插画的面目出现时，读者对小说的接受也就发生了根本的变化，小说的接受出现了新方式，即对小说的“观看” 成为可能。而这一切，要归功于《红楼梦》插图的出现。

③明清两朝，出版商为了吸引读者，在小说中插入了精美插图，特别是《红楼梦》的插图，版本更是繁多。显然，出版商的本意就是从售书这一商业化的目的出发的，但这些精美的插图却能对文字起到补充作用，如解释、说明文中的情节。鲁迅先生亦认为：“书籍的插图原意是在装饰书籍，增加读者的兴趣，但那力量，能补文字所不及，所以，也是一种宣传画。”在鲁迅先生看来，插图相比文字， 更具形象性，易于被人们所接受。

④从《红楼梦》的刊本可知，在程伟元首次将《红楼梦》付梓刊印时，其中就是附有插图的。这是因为，图像给阅读增添了新的意趣和快感，抽象文字与直观形象的图片互为阐发，无疑使阅读带有游戏性，从文字到图像，再从图像到文字，来回的转换把阅读变成一种关照性的体验。

（选自陆涛《关于<红楼梦>插图的图像学考察》）

【材料二】

①小说作为一种独立的叙事文体，应有自己的整一性、纯粹性。就此而言， 将图像插入小说叙事中是对文体纯粹性的挑战。眼见的插图通常与阅读想象并不一致，有的还差距甚远以至于相反，或使读者陷入“想得对”还是“看得对”的焦虑中。

②诚然，插图可以使小说在文人化之后继续亲近民间大众。问题在于这种“亲民”并非是通过小说本身，而是转移给了不同于语言叙事的图像叙事。语言和图像则属于两种完全不同的表意符号，在阅读过程中观看图像需要翻越符号的栅栏， 即从沉浸其中的语言世界抽身而出，去观看一幅自己不一定认同的“图说”。就此而言，图像对于小说的“插入”实则是符号异类的入侵。图像作为“视觉诱惑” 是难以回避的，如前所述，任何小说阅读都不可能跳越其中的插图。于是，插图有着危险的负面效应——诱惑它的读者“东张西望”，心神不专，即干扰沉浸式的全身心阅读，使读者频繁出入于语言编织的想象世界，何况这“想象世界”并不像图像世界那样已被凝定，而是稍纵即逝、随时可能缺损、变形或破灭的幻影。

③就此而言，插图不能为阅读理解提供什么，尽管插图也能暗示画家对小说的理解，但却被隐匿在了图像的背后而未能“明说”，而其“图说”出来的意义也十分有限且模糊不清。原因当然还在于小说文体本身的虚构性，阅读它的根本意义在于激活想象力，引发多元、多层面的阅读恰恰是其文体价值所在。就这一层面来看，插图以其视觉优先性施加话语霸权，限制受众长期不能无视已经眼见过的“模样”。看来，插图有对小说叙事施加影响的图谋。这种“图谋”当然是指负面影响，与叙事艺术的自由旨归背道而驰。

④既然如此，插图对于小说的意义究竟是什么呢？叶逢春说：“虑阅者之厌怠，鲜于首末之尽详，而加以图像。”一言以蔽之，插图的目的在于刺激阅读兴趣。至少就文士书商们的初衷而言，小说插图就是如此，不过如此，就像鲁迅说的“增加读者的兴趣”而已。

⑤概言之，插图作为静观图像对于叙事流的瞬间凝定，决定了“暂停”与“川流”的不可调和性。就小说文体的纯粹性而言，这是一种危险的“插入”。

（选自赵宪章《小说插图与图像叙事》）

【材料三】

程甲本《元春》            改琦本《元春》

	材料一	材料二
相似的前提	小说是以语言为载体的叙事流而图像是凝视和瞬间暂停。
相反的结论	（1）_____	（2）_____
推论过程的差异	（3）_____	强调差异造成矛盾与不兼容，主张小说应保持文体的整一纯粹。

材料一：

创作者与广大读者能否实现精神共鸣，关系创作的成败。网络文学吸收大众文艺成熟经验，凭借互联网传播即时性、宽覆盖等优势，实现创作与运营机制的创新，形成以读者需求为牵引的创作生产机制。创作者和文学网站及时更新连载作品，从读者即时反馈的收藏、推荐和评论中，了解读者的阅读体验，从而有效地将文化创新与受众需求连接在一起，强化网络文学的阅读黏性。

网络文学的海外传播，同样是由热心读者自发启动的。相关文学网站捕捉到海外读者阅读需求，不断推出优秀网络文学作品。在此基础上，文学网站吸引海外作者加入，把中国网络文学的成功经验复制到许多国家，形成“世界网络文学”雏形。网络文学找到海外目标群体，目标群体推动网络文学海外传播，如滚雪球一般扩大影响。

创作者与读者求新求变的需求，是文学发展的持续动力。作者创作才华得到展现，及时获得社会支持，是其持续创造创新的可靠保障；令人耳目一新的优秀作品让读者获得独到的情感体验，读者才会跟随并支持作者的创作。在与读者的互动中，作者要学会把握艺术表达的新奇效果与读者理解程度的平衡，把握人类情感表达的分寸感等等，从而让艺术创新获得认可。

艺术创新不是凭空而来的，既要求创作者体察读者需求，又要求创作者熟知艺术传统。古往今来的大众文艺大多是类型文艺，其发展规律即始终围绕人类个体基本愿望和社会时代要求，在艺术传统的基础上创造出新的艺术类型，分门别类满足受众的精神需求。每种类型文艺，如武侠、言情、科幻等，各有其广泛使用的世界架构、角色原型、故事模式等创作元素。

网络作家从中国古代神话、古代哲学、明清小说、现代通俗小说中，吸取创作元素，创造出具有东方文化色彩的玄幻、仙侠等小说类型，出现了一大批具有文体创新意义的成功之作。如《完美世界》以华夏神话、明清小说里的诸多人物为原型，对其融合再造，创造出跌宕起伏的情节和特征鲜明的角色。与此同时，网络作家们还不断借鉴世界优秀文化，滋养文学创作。如《盘龙》汲取奇幻文艺与游戏中的世界架构，展现出奇异的宇宙世界，赋予传统奇幻角色以崭新特征，令人眼前一亮。网络文学不断升级换代，近期更是出现一批阅读难度较高却受到读者热捧的跨类型作品，如《魔力工业时代》。

（摘编自王祥《借力良性互动促进文学创新》）

材料二：

什么是语言，什么又是艺术语言？语言是构成艺术形式的最小单元，也是基本要素，或称基本语素、基本语言；艺术语言是在艺术创作语境下，按美学特征与审美需要，将这些语素进行自由而独特的排列、组合，构成艺术作品的特殊表现方式与实现手段。

可见，语言是艺术构成的前提与基础，艺术语言是艺术呈现的生命与灵魂。并且，不能成为艺术语言的语言，无法进入创作语境；而不能进入艺术语境的语言，没有审美意义，因而也就不能建构艺术作品。

当下文艺创作中，确实存在着语言运用方面的病症或问题，比如陈腐、僵化、空洞、苍白、琐碎、庸俗、世故等，归结概括为一点，就是墨守成规、俗不堪耐。这些令受众失望、令审美无奈的“语言现象”，是对语言在艺术语境中的错置，与艺术创作之本质意义南辕北辙，格格不入。

回望文明史，文艺的演进发展正是艺术语言的演进发展。以美术领域为例，从原始美术到古典美术是这样，从古典美术到现代艺术也是这样，从现代艺术到后现代艺术同样是这样。在文学领域出现的现实主义、浪漫主义、文艺复兴、批判现实主义、自然主义、古典主义、感伤主义、象征主义、唯美主义、印象主义、黑色幽默、魔幻现实主义等流派，也正是由于艺术语言的不断创新，从而实现文学丰碑的不断矗立。并且，不管哪种艺术门类，凡能开启新的艺术语言形式者，往往能开拓艺术新径、走向艺术高峰。比如忠实于现实主义的曹雪芹、探寻魔幻现实主义的马尔克斯，比如集古典主义之大成又开拓浪漫主义的贝多芬、走进抒情抽象主义的朱德群，还比如开启实验立体主义的毕加索、开辟光影水墨山水的李可染等，都是艺术语言探索、创新、重构与超越的典范。

同经验语言不能摹写超验世界一样，传统艺术语言也不能生硬或原封不动地置于当下语境的艺术创作，否则，此类所谓创作将不可避免地会出现迟滞、倒退、抄袭与复制等问题，从而令艺术走向自我异化，也让艺术永远远离艺术，既有悖艺术精神，又窒息受众审美。

无可置疑，文明愈发展，审美愈不待。艺术创作要践行审美使命、承载时代担当，唯有语言创新，并且终究还是要语言创新。

（摘编自吕国英《艺术创新贵在语言创新》）